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Título original: Happy Go Lucky.
Dirección: Mike Leigh.
Producción: Simon Channing Williams.
Elenco: Sally Hawkins, Eddie Marsan, Alexis Zegerman, Sylvestra Le Touzel y Stanley Townsend.
Guión: Mike Leigh.
Dirección de fotografía: Dick Pope.
Música: Gary Yershon.
País: Gran Bretaña.
Año: 2008.
Duración: 117 minutos.
Género: Comedia dramática.
Clasificación: Apta para mayores de 13 años.
Premios: Globo de Oro a la Mejor actriz de comedia/musical 2008 (Sally Hawkins) / Mejor actriz en el Festival de Berlín 2008 (Sally Hawkins).
Puntaje IMDB: 7.1

Sinopsis:
Poppy (Sally Hawkins) es una maestra de primaria, optimista y llena de vida. A pesar de que el mundo sea un lugar áspero, Poppy lo enfrenta con una sonrisa y un mantra personal que intenta transmitir: "Sé feliz". Tras el robo de su bicicleta, Poppy decide dejar las dos ruedas y comprarse un coche. Para eso comenzará a tomar lecciones de conducir. Pero su profesor (Eddie Marsan) es un hombre que es exactamente su cara opuesta.

Dijo el director:

"No es una película únicamente sobre la felicidad, eso es simplista. Hay que darle un título a la película. 'Happy Go Lucky' tiene más que ver con evocar el espíritu de la película, que en ser una descripción exacta de lo que hay en la botella. Es una película sobre el positivismo y hacer frente a la vida de una forma madura, inteligente, enfocada, no tipo mirar de forma despreocupada la parte positiva y ser sólo feliz, como si ella hubiese comido hongos mágicos o fumado mucho". (Extracto de la entrevista de Indiewire).

"Ciertamente es una carta de amor a la juventud y a Poppy. No creo que sea particularmente una carta de amor a Londres. De hecho, me ha irritado que algunos medios internacionales dijeran que era sobre los maestros del norte de Londres. Poppy podría trabajar en cualquier lugar. Diría que es una carta de amor hacia a la vida en la ciudad. Ciertamente es sobre el amor y la amistad. Si funciona para la gente, 'Happy Go Lucky' es una película que gradualmente te hará conocer, entender y gustar de Poppy porque ella es abierta, generosa y comprensiva. Pero también anárquica y graciosa. Inicialmente podría ser percibida como una mujer estrafalaria y chiflada, pero está totalmente centrada". (Extracto de la entrevista de The Guardian).

Dijo la crítica:

"La felicidad trae suerte cuenta unos días en la vida de este personaje inolvidable: en casa, con su amiga entrañable o sus compinches, en la escuela, en un fin de semana familiar, en las reñidas clases sobre el auto-escuela, viviendo un incipiente romance. Sin embargo, aunque no existiría sin Poppy (así como Poppy no existirá sin la prodigiosa comunicatividad de Sally Hawkins), el film es algo más que su retrato: basta atender a todo lo que hay a su alrededor. El famoso método de improvisaciones de Leigh da aquí resultados casi milagrosos: no hay una sola nota falsa en los personajes; todos tienen una historia visible detrás y nada de lo que se dice o se hace -de las escenas más cómicas, como la clase de flamenco; a las más dramáticas, como el tenso desenlace de la relación con el instructor, o las más apacibles y conmovedoras, como el final- es gratuito ni caprichoso". Muy buena (Fernando López, La Nación).

"Tras su estructura de comedia, la película tiene tono agridulce, no siempre redentor, tampoco declamativo. El personaje de Poppy no anda por ahí explicando el sentido de la vida: se limita a enfrentarla en sus costados oscuros, a veces recibiendo reproches o violencia. El Leigh de Secretos y mentiras asoma detrás de la risa. Durante una de las clases de manejo, Scott reniega del estado de cosas y grita que aquel que no acepta las reglas sociales -aquel que se niega a perder su subjetividad- está condenado a la desdicha. Poppy misma, que no le responde con ninguna frase memorable, parece ser la refutación de esa idea". Muy buena. (Miguel Frías, Clarín).

"Más allá de cierta irritación que me generó esa máquina de reir, de hablar (y de hacer el ridículo) que compone Hawkins (ganadora del premio a la mejor actriz en Berlín, del Globo de Oro y de decenas de otros galardones por este trabajo), admito que Leigh es un verdadero maestro en lo que hace y que La felicidad trae suerte fluye con la misma alegría y liviandad de sus personaje protagónico. Veremos si es capaz de contagiar esos sentimientos, esos estímulos positivos, a un público argentino que siempre parece necesitado de este tipo de propuestas. Un film -cabe aclarar- no apto para espíritus cínicos". *** y 1/2. (Diego Batlle, Otros cines).

"El estilo de vida de la protagonista puede ser interpretado desde dos puntos de vista distintos; por un lado, es una enseñanza dotada de una potencia subversiva que se opone a una sociedad cínica y malhumorada en la cual la única manifestación de alegría e inocencia queda reservada para una edad determinada -ubicada cómodamente en la infancia-; por otro lado, puede interpretarse como el único reducto disponible por donde la docente pretende “escapar” de dicho sistema". **** (Gabriela Puente, Leedor).

Título original: L´heure d'été
Dirección y guión: Olivier Asayas.
Elenco: Juliette Binoche, Charles Berling, Jérémie Regnier, Edith Scob, Dominique Reymond, Valérie Bonneton, Isabelle Sadoyan, Alice de Lencquesaing, Emile Berling.
Producción: Claire Dornoy / Charles Gilibert / Marin Karmitz / Nathanaël Karmitz.
Fotografía: Eric Gautier.
País: Francia.
Año: 2008.
Duración: 102 minutos.
Género: Drama.
Calificación: Apta para todo público.

Sinopsis:
La matriarca de una familia burguesa, encargada de gestionar la excepcional colección de arte del siglo XIX que perteneció a su tío, muere repentinamente. Los herederos son sus tres hijos: Adrienne, una diseñadora con éxito afincada en Nueva York; Frédéric un economista y profesor universitario en París, y Jérémie, un hombre de negocios asentado en China. Los tres se verán enfrentados ante el hecho de tener que decidir qué hacer con el legado familiar, rico en valor sentimental y económico.

Dijo el director:
"La película llega después de una trilogía que no había sido concebida como tal, estructurada alrededor de una sociedad internacionalizada. Con "Demonlover", "Clean" y "Boarding Gate" quería contar historias sobre el mundo de hoy, donde las culturas y las lenguas se mezclan, donde el movimiento de la gente está determinado –como siempre lo ha estado- por el movimiento de las mercancías y el dinero. No tenía ni idea de que esto me distanciaría tanto de la temática original y los valores establecidos del cine francés. Quería regresar a casa por un tiempo, aunque deba marcharme de nuevo más adelante. Ésta es la razón por la que acepté el proyecto del Museo de Orsay inmediatamente. Era una oportunidad para regresar al tema de mi pasado, mi historia y mis raíces. Lo escribí al darme cuenta que mi madre no viviría para siempre. Murió el año pasado. A causa de ello me vi obligado a repensar el filme, que había tomado un gran significado para mí.

Quería hacer una película sobre la transmisión, del pasado y de la manera que las cosas ocurren en un flujo, que es la dinámica de la vida...Quería hablar de cómo el arte nace de la vida y es embalsamado en los museos. Me gustan los museos pero las piezas que exhiben están como en un zoo. Cuando son creadas, viven, respiran y existen con el mundo. El museo les quita la luz. Usar las Artes Decorativas me ayudó a enfatizar esto. Una silla o un armario están hechos para participar en las vidas de seres humanos. En exposición, pierden su significado y su verdad". (Olivier Assayas).

Dijo la crítica:

"La narración fluida, los elegantes planos secuencia, los jugosos diálogos, la seducción de las imágenes y el magnífico desempeño del elenco confluyen en un film que invita a ser apreciado desde distintos puntos de vista. Es una obra bella, lúcida y dulcemente melancólica. De lo mejor de Assayas". Muy buena. (Fernando López, La nación).

"Antes que como goce cinematográfico, 'Las horas del verano' funciona como confirmación. Confirmación de que un filme puede conmover sin sensiblería, confrontar personajes sin maniqueísmo, optar por la sutileza y la(s) historia(s) del arte sin ser críptico. Sí: se necesita un director talentoso, probablemente maduro. Olivier Assayas, brazo ecléctico y moderno de la nouvelle vague, cumple ambos requisitos.

Las horas... —surgida de un proyecto del Museo D'Orsay— deja sabor a melancolía que no es apego neurótico al pasado. Los personajes saben que no recobrarán el tiempo perdido; asisten, con madurez, dolor variado e incluso dulzura, al misterio natural de ser y dejar de ser. De perdurar: en la memoria de los demás. La módica, consoladora inmortalidad que otorga la creación: de arte, de lazos sentimentales, de hijos. En términos literarios: el filme transmite, con tono chejoviano, la esencia de textos como 'Lo perecedero', de Freud, o 'El inmortal', de Borges: que la vida tiene valor y belleza porque es efímera. Y, de algún extraño modo, transmisible a los otros". Excelente. (Miguel Frías, Clarín).

"Las horas del verano es un film sobre la Historia, sobre cómo el arte perdura de manera viva y funcional en manos de la gente y luego se vuelve una pieza de museo, sobre el pasado que muere y el presente dominado por una globalización que arrasa con todo, sobre la familia, sobre la decadencia de la burguesía francesa, sobre las fuertes diferencias y las contradicciones generacionales, sobre la culpa... y sobre muchas cosas más.

Siempre consideré a Assayas -incluso en sus películas menos logradas- como un animal de cine, un cinéfilo/crítico/director muy lúcido, unos de los narradores más talentosos (nadie construye los planos-secuencia con más elegancia que él), un intelectual capaz de unir la tradición del cine francés con la modernidad del asiático, un hombre interesado en la literatura clásica y también en la cultura del rock, en el clasicismo y en los géneros clase B. En definitiva, un realizador casi completo. Creo que con 'Las horas del verano' directamente se consagra, porque esta película que parece pequeña es digna de un sabio, de alguien que ha alcanzado la definitiva madurez como hombre y como artista". **** y ½ (Diego Batlle, Otros cines).

LA CULPA ES DE FIDEL

Título original: La faute à Fidel.
Dirección y guión: Julie Gravras
Elenco: Julie Depardieu, Stefano Accorsi, Nina Kervel, Benjamin Feuillet.
Producción: Sylvie Danton.
Fotografía: Nathalie Durand.
Música: Armand Amar.
País: Francia / Italia.
Año: 2006.
Duración: 96 minutos.
Género: Drama.
Calificación: Apta para mayores de 13 años.

Sinopsis:
Anna tiene nueve años. Para ella, la vida es simple, ordenada y estructurada en su rutina. Vive placentera y confortablemente en París con sus padres María y Fernando, su hermano menor Francisco y su niñera. Concurre a una escuela católica. La única nube oscura en su infancia ideal es un tío que vive en España, es comunista y lucha contra Franco. La familia trata de no hablar de él.

Comunismo, lucha contra el franquismo, palabras y comentarios cargados de significado en los años 70 cuando Anna cumple los nueve años. Pronto, su vida ordenada se empieza a complicar. Su tío es arrestado, se produce un viaje a Chile, hay reuniones con gente extraña, todos hechos importantes que ella no entiende pero que van cambiando la vida de sus padres y por ende la de ella misma.


Dijo la directora:
"Hacer un film sobre la década del 70 es un desafío enorme. Treinta años después se ha puesto de moda tanto santificar como burlarse de ella. Esa década ha sido analizada, desmenuzada y hasta mitologizada por los que tenían roles activos en esos años. En cambio “La culpa es de Fidel”, cuenta la historia de esa década desde el punto de vista de una niña. Ésta es su originalidad, no se impone ninguna verdad histórica o ideológica.

La novela original de Domitilla Calamai cuenta los efectos de los años de cambio en varias generaciones, los abuelos, los padres y sobre todo la niña. Al adaptar la novela al cine necesité encontrar una forma radical de narración para respetar la originalidad de la novela, recordando que todo es visto desde el punto de vista de la nena. Es a través de los ojos de Anna que seguimos los sucesos de 1970 y 1971. Podemos ver como ella malinterpreta ciertos hechos, pero también asistimos a la confrontación de su mundo con el que le quieren imponer sus padres. Ella se resiste a la desorganizada vida que le quieren imponer". (Julie Gavras).

Dijo la crítica:

"La culpa es de Fidel es una película política sin por eso apelar a discursos aleccionadores ni subrayados. Describe con delicadeza y sin excesos (trágicos ni cómicos) el caos íntimo familiar y la confusión de muchas parejas burguesas que se apasionaron en aquel momento con la idea de militar para cambiar el mundo. Para la protagonista de nueve años y para su hermano menor, en cambio, todos esos cambios (pasar de una amplia casona con jardín a un precario departamento, sufrir las prolongadas ausencias de sus padres o tener la casa invadida de seres extraños) se viven con esa mezcla de tragedia y ligereza con que los niños padecen e inmediatamente absorben los golpes de la vida.

Más allá de algunas contradicciones algo elementales (como la educación religiosa que recibe Anna, mientras sus padres alimentan sus sueños revolucionarios), que remiten al reciente estreno italiano Mi hermano es hijo único , La culpa es de Fidel está llena de muy punzantes y precisas observaciones, como la vergüenza que siente la protagonista (un personaje desprovisto del carisma demagógico que suelen tener los chicos en este tipo de historias) cuando una amiga se queda a dormir y descubre las carencias de su hogar. Así, con una pequeña y cuidada narración, Julie Gavras construye un promisorio debut en el largometraje y continúa con mucha dignidad el legado familiar". Muy buena. (Diego Batlle, La Nación).

Título original: Ben X.
Dirección y guión: Nic Balthazar.
Elenco: Greg Timmermans, Marijke Pinoy, Laura Verlinder, Pol Goossen.
Producción: Burny Bos, Peter Bouckaert, Winnie Enghien, Erwin Provoost, Michiel de Rooij, Sabine Veenendaal.
Música: Praga Khan.
País: Bélgica, Holanda.
Año: 2007.
Duración: 90 minutos.
Género: Drama.
Calificación: Sólo apta para mayores de 16 años.

Sinopsis:
Ben es un joven diferente. Su vida es su propio universo, donde el juega apasionadamente a Archlord, su juego en red favorito, entrenándose duro para el mundo real en el que vive. El mundo cruel de una escuela técnica es para él una especie de infierno cotidiano. Ante el horror de ser diariamente el objeto de burlas, Ben diseña un plan. Entonces Scarlite entra en su vida, la chica que conoció en su juego en red. Eso no era parte del plan...

Dijo el director:
"Todo comenzó con un libro que me pidieron que escribiera para chicos que nunca leyeron un libro. Me estaba preguntando sobre qué escribir y había un chico de 17 años que se lanzó de un castillo medieval en Ghnet, la ciudad donde yo vivía. Aparentemente, él sufría de un leve autismo - él sufría del síndrome de Asperger- fue a una escuela normal y en su carta de despedida dijo que básicamente lo habían acosado hasta la muerte. Ésa era una historia de tragedia, injusticia y crueldad sobre alguien que nunca había encontrado los medios apropiados para defenderse, así que había encontrado otra solución. En una entrevista, su madre dijo que nunca encontraría consuelo para lo que había sucedido...Inmediatamente pensé en hacer una historia que no ofrecería consuelo, pero traería algo de comprensión a su familia y su tragedia: una historia que diera una idea de cómo las cosas podrían haber sido diferentes...Era consciente, por supuesto, de cómo el escalonamiento de la brutalidad entre jóvenes se da con estas nuevas formas de acosar con las cámaras (del celular) y de cyber-acoso." (Nic Balthazar).

Dijo la crítica:

"¿La mejor película que vi sobre la angustia adolescente desde 'Donnie Darko' vino de Bélgica?" (Brian Miller, Village Voice).

"Retrato de la galvanización del autismo y su impacto profundo en la persona autista y sus familias y comunidad, Ben X mezcla audazmente realidad virtual con acción real al estilo vérité y docudrama para crear lo qué puede ser una nueva gramática. Inspirado por acontecimientos reales - el suicidio de un estudiante belga levemente autista que fue acosado virtualmente hasta la muerte - el debutante Nic Balthazar ha adaptado su libro y su obra de teatro sin cometer los pecados de la sobre-exposición y la teatralidad que esas procedencias pueden provocar." (Denis Seguin, Screen Daily).

"El film usa inteligentemente aspectos de la cultura de los juegos para contar esta intrigante historia y confrontar al espectador con las dificultades de los problemas sociales. El director y guionista Nic Balthazar, uno de los más importantes de la cinematografía holandesa, supo narrar este relato con gran fuerza expresiva. Con una cámara manejada con enorme habilidad, el realizador logró un film de gran emotividad." Muy buena. (Adolfo C. Martínez, La Nación).

Título original: Rocknrolla.
Dirección: Guy Ritchie.
Guión: Guy Ritchie.
Elenco: Gerard Butler, Tom Wilkinson, Thandie Newton, Mark Strong, Idris Elba, Tom Hardy, Jeremy Piven.
Producción: Steve Clark-Hall, Susan Downey, Guy Ritchie, Joel Silver.
Música: Steve Isles.
País: Gran Bretaña.
Año: 2008.
Duración: 114 minutos.
Género: Acción / Comedia.
Calificación: Apta para mayores de 16 años.

Sinopsis:
En Londres, un mafioso ruso planea un deshonesto pacto de compra y venta de propiedades. Hay millones de dólares en juego, y todo el mundo criminal londinense quiere obtenerlos. Desde un peligroso Lord criminal hasta una sensual contadora, un político corrupto y varios ladrones. Todos ellos conspiran y se enfrentan en un encarnizado esfuerzo para poder hacerse ricos fácilmente.

Dijo el director:
“Esta película nos presenta a los gánsters de la vieja escuela como Lenny Cole y a los chicos listos prometedores del Grupo Salvaje. Pero lo que se están encontrando con la llegada de los nuevos hombres de negocios del Este es totalmente nuevo. No respetan la antigüedad, y tienen dinero y agallas suficientes para cambiar cómo se hacen las cosas en Londres. Y, de este modo, la vieja escuela tiene que adaptarse para sobrevivir. Esto hace que la historia resulte muy dinámica y que cuente con muchos elementos 'comodín' que envían la acción a territorios totalmente nuevos”. (Guy Ritchie)

Dijo la crítica:
"En primer lugar, un dato que no es menor: este thriller londinense mantiene durante casi dos horas la atención del espectador; atrapa, entretiene, por momentos deslumbra con sus frenéticos mecanismos formales y su música estridente, su violencia estilizada, sus gangsters -de poca y mucha monta- entre revulsivos y humorísticos. Muchos seguidores del cine de Guy Ritchie dirán, incluso, que el realizador inglés volvió a su mejor forma, la de 'Snatch, cerdos y diamantes' (estrenada acá en 2001). Pero vale preguntarse, al margen de tanta euforia inicial, qué valores sustentan a un dispositivo que, a esta altura, ya no es vanguardista. Qué fondo existe debajo de la forma". Buena. (Miguel Frías, Clarín)

"Ritchie fatiga un poco con los artificios de su cámara y su variedad de efectos, pero sabe cómo no enredarse entre tantos personajes y tantas subtramas y dosificar la acción y el humor, si bien nunca disimula su cinismo y se complace en la violencia. El elenco es sólido (se lucen Gerard Butler y Thandie Newton) y la música, un poco menos estrepitosa que de costumbre". Buena. (Fernando López, La Nación)

"Como las que le dieron cierta fama al realizador, en Rocknrolla un montón de bandas enfrentadas corren detrás de un botín, mientras se pelean, se torturan y se matan (los policiales de Ritchie parecen todos versiones gangsteriles de El mundo está loco, loco, loco y/o Los autos locos). Como siempre, la trama se organiza en función de la clase de artilugios a los que Hitchcock denominaba mcguffins (y que debe ser lo único que GR aprendió de su connacional)". 6 puntos. (Horacio Bernades, Página 12)


LA DUQUESA

Título original: The Duchess.
Dirección: Saul Dibb.
Guión: Jeffrey Hatcher, Anders Thomas Jensen, Saul Dibb.
Elenco: Keira Knightley, Ralph Fiennes, Charlotte Rampling, Dominic Cooper, Hayley Atwell.
Producción: Michael Kuhn, Gabrielle Tana.
Música: Rachel Portman.
País: Gran Bretaña, Italia, Francia.
Año: 2008.
Duración: 110 minutos.
Género: Drama histórico.
Calificación: Apta para mayores de 13 años con reservas.

Sinopsis:
Basada en la novela biográfica escrita por Amanda Foreman, la película rememora la vida de Georgiana Spencer, la duquesa de Devonshire que en el siglo XVIII marcó tendencia con su estilo y fue famosa por su vida disipada. Como su descendiente directa, Lady Di, fue adorada por un país entero. Pero mientras su seducción no conocía límites y hasta ayudaba para acrecentar la popularidad del partido Whig, su marido permanecía ajeno a su encanto. En su búsqueda por ser fiel a su corazón, esta joven decide dar rienda suelta a un amor secreto por Charles Grey, pero se verá forzada a callar ese amor y hasta aceptar una armoniosa convivencia con la amante de su marido.

Dijo el director:
"No estaba buscando hacer una película de época, pero esta era completamente diferente al resto. Era una compleja y oscura historia sobre una mujer atrapada en un matrimonio por conveniencia. Se sentía mucho más emocionalmente poderosa que algo que buscara ser una mera visión nostálgica de Inglaterra, una trampa en la que creo que caen muchas de estas producciones". (Saul Dibb)

Dijo la crítica:
"Keira Knightley está el 95 % de la proyección en pantalla, lo cual no extraña porque la película se llama La duquesa, y sabe cómo sobrellevar el peso de la historia, sus enojos y rebeldías, que incluyen, claro, su propio love affaire y una escena de violación. No le pasa poco a esta devota madre hasta de hijos ajenos en 110 minutos. Ralph Fiennes, como siempre que le toca o elige hacer de malvado, no quiere, no puede pero sí debería salir de esa pose tan suya de mirada tórvida y pocas pulgas que le conocemos de 'La lista de Schindler' a esta parte. Hayley Atwell ('El sueño de Cassandra') tiene futuro asegurado". Muy buena. (Pablo Sholz, Clarín).

"Más allá de la exaltación de una mujer independiente e inteligente que intenta librarse del corsé represivo en un mundo dominado y manejado por los hombres (finales del siglo XVIII, en épocas previas a las revoluciones en Estados Unidos y Francia), La duquesa tiene una estructura clásica en su exploración del melodrama romántico. Nada de humor, de irreverencia ni de relecturas irónicas desde la actualidad. Un producto tan cuidado como previsible, que sólo ofrece en la actuación de Knightley motivos suficientes para el regocijo". Buena. (Diego Batlle, La Nación)

"A primera vista, La duquesa tiene todo aquello que se puede esperar de una película de época, ambientada en la corte británica del siglo XVIII: pelucas como tortas, maquillajes como máscaras, grandes mansiones y suntuosos bailes, en los que la aristocracia aprovecha para el alarde, el cotilleo y los juegos de seducción. Pero por debajo de ese previsible despliegue escenográfico, que una esmerada producción enfatiza en vez de desacralizar (como hacía la 'María Antonieta' de Sofía Coppola), hay una historia por demás interesante, a la que la película –demasiado preocupada por atender tanto al gran público como a ciertas aspiraciones artísticas– no termina de hacer justicia". 6 puntos. (Luciano Monteagudo, Página 12)