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"Pingpong" muestra el mundo aparentemente intacto de una familia de clase media, cuya armoniosa fachada se desmorona debido a la imprevista visita de su pariente Paul, un joven de 16 años. Paul llega buscando cariño y apoyo tras el suicidio de su padre, mientras que su tía Anna lo utiliza como instrumento para mantener a su hijo Robert atado a ella. Cuando finalmente Anna se aparta de él, Paul, herido, reconoce que ya no queda nada que le vincule a esa familia y comete un acto desesperado.

La 66 Mostra de Venecia, a desarrollarse del 2 al 12 de septiembre, dio a conocer este jueves los títulos que integrarán su nueva edición, en la cual se entregará el León de Oro honorífico a John Lasseter, el creador de "Toy Story".

El certamen cuenta con seis secciones oficiales: Venezia 66 (competencia oficial), Fuera de competencia, Orizzonti, Controcampo Italiano, Corto Cortissimo y Estos fantamas: Italian Cinema Rediscovered. A ello se suma dos secciones independientes: la Semana Internacional de la Crítica y Venice Days.

Todas las películas de la competencia oficial se exhiben en calidad de premiere mundial. El León de Oro y los restantes premios serán otorgados por un jurado oficial presidido por Ang Lee, e integrado por Sandrine Bonnaire, Liliana Cavani, Joe Dante, Anurag Kashyap, Luciano Ligabue.

LARGOMETRAJES EN COMPETENCIA OFICIAL
"Lo spazio bianco" (Francesca Comencini).
"36 vues du Pic Saint-Loup" (Jacques Rivette).
"A Single Man" (Tom Ford).
"Accident" (Soi Cheang.)
"Ahasin-Watai" (Vimukthi Jayasundara).
"Bad Lieutenant" (Werner Herzog).
"Baaria - La Porta del Vento" (Giuseppe Tornatore) - Película de apertura.
"Capitalism : A Love Story" (Michael Moore).
"Chengdu, wo ai ni" (Cui Jian, Fruit Chan) - Película de clausura.
"Il Grande sogno" (Michele Placido).
"La Doppia Ora" (Guiseppe Capotondi).
"La Route" (John Hillcoat).
"Levanon" (Samuel Maoz).
"Life during wartime" (Todd Solondz).
"Lourdes" (Jessica Hausner).
"Mr. Nobody" (Jaco van Dormael).
"Persécution" (Patrice Chéreau).
"Prince of tears" (Yonfan).
"Soul Kitchen" (Fatih Akin).
"Survival of the Dead" (George A. Romero).
"Tetsuo The Bullet man" (Shinya Tsukamoto).
"The Traveller" (Ahmed Maher).
"White Material" (Claire Denis).
"Women Without Men" (Shirin Neshat).

SELECCION-FUERA DE COMPETENCIA
"[Rec] 2" (Jaume Balagueró, Paco Plaza).
"Anni Luce" (Francesco Maselli).
"Delhi-6" (Rakesh Omprakash Mehra).
"Dev.D" (Anurag Kashyap).
"Gulaal" (Anurag Kashyap).
"L'Elite de Brooklyn" (Antoine Fuqua).
"L'Oro di Cuba" (Giuliano Montaldo).
"Men who stare at goats" (Grant Heslov).
"Napoli, Napoli, Napoli" (Abel Ferrara).
"Prove per une tragedia siciliana" (Roman Paska,John Turturro).
"Scheherazade, tell me a story" (Yousry Nasrallah).
"South of the border" (Oliver Stone).
"The Hole" (Joe Dante).
"The Informant" (Steven Soderbergh).
"Valhalla Rising - Le Guerrier silencieux" (Nicolas Winding Refn).
"Yona Yona Penguin" (Rintaro).


JURADO COMPETENCIA OFICIAL
Ang Lee.
Sandrine Bonnaire.
Liliana Cavani.
Joe Dante.
Anurag Kashyap.
Luciano Ligabue.

LEON DE ORO HONORIFICO
John Lasseter

Como en "Juegos de amor esquivo", Kechiche vuelve a radiografiar a la comunidad musulmana pero narrando una historia universal. "Cous Cous, la gran cena" -título local más marketinero que el original "La graine et le mulet" (El grano y el mújol)- sigue la historia de Slimane Beiji (Habib Boufares), un emigrante árabe apesadumbrado y taciturno que a los 60 años debe comenzar de nuevo, tras ser despedido de su empleo en los astilleros de la ciudad de Sete, a orillas del mediterráneo francés. Slimane tiene varios hijos pero ya no comparte con ellos las reuniones familiares que se arman alrededor del delicioso cous cous de su ex mujer; aún cuando sigue siendo un sostén para ellos.

Slimane forma algo cercano a un núcleo familiar con su actual pareja y la hija de esta, la verborrágica y encantadora Rym (Hafsia Herzi). Junto a Rym, Slimane comienza a desarrollar la idea de abrir un restaurante en un barco, que se especializará en comida árabe y tendrá al cous cous de pescado como plato exclusivo. El proyecto comienza a tomar forma y ganar adeptos pero se topa con un estado burocrático que pide una serie de requisitos que no hacen más que entorpecer el camino de un hombre que busca ganarse la vida de un modo digno.

Slimane no está dispuesto a bajar los brazos. Con ayuda de su familia y vecinos, decide hacer una gran cena en el barco para demostrar a las autoridades locales el alcance de su idea. Pero la noche no discurre cómo se imaginaba, y Slimane una vez más deberá demostrar su temple y su capacidad para seguir adelante pese a que el objetivo parezca inalcanzable.

"Cous cous, la gran cena" es la historia de un héroe anónimo pero está muy lejos de ser un cuento de hadas. Durante sus más de dos horas de metraje, Kechiche se toma su tiempo para desnudar personajes imperfectos, reales, cotidianos, cercanos, lo que universaliza una historia que ejerce una mirada sobre dos temas tan actuales como la integración y la inmigración.

FICHA TECNICA
Título original: La graine et le mulet.
Dirección y guión: Abdel Kechiche.
Producción Claude Berri, Benoit Pilot.
Elenco: Habib Boufares, Hafsia Herzi, Farida Benkhetache, Abdelhamid Aktouche, Bouraouia Marzouk, Alice Houri.
Fotografía: Lubomir Bakchev.
País: Francia.
Año: 2007.
Duración: 151 minutos.
Calificación: Apta para mayores de 13 años.
Género: Drama.
Distribución en Argentina: Zeta Films.
Premios: Cuatro Premios César (mejor película, director, guión y revelación femenina), Premio Especial del Jurado en Venecia y Premio Marcello Mastroanni (Hafsia Herzi), Premio de la crítica en los Premios del Cine Europeo, entre otros.

SALAS
Arteplex Belgrano, Arteplex Centro, Arteplex Duplex Caballito, Showcase Cinemas Norte.

TRAILER
http://www.youtube.com/watch?v=rFEaQj0i72Y

NOTAS DEL DIRECTOR
Comencé con una fantasía popular, la clase de historia que gusta contar en los barrios pobres sobre la gente que consiguió escapar de la esclavitud moderna, de un camino a ninguna parte, abriendo sus propios negocios. Quería tratarlo con cierta ironía, tomármelo como si fuera un cuento. Así que en cierto modo es una aventura, una narración más cercana a lo que es este formato narrativo, con todas sus digresiones, más que un film de acciones de por sí.

El protagonista es viejo, pobre y árabe, y quiere construir algo grande para recuperar su dignidad y ayudar a los suyos a salir adelante. Incluso cuando me encerré para concentrarme y mantener el interés en la acción, que por su valor eufórico y simbólico era muy importante para mí, paradójicamente dejé que las cosas adyacentes se juntaran y formaran una pila de accesorios a la historia, que se justifican por el simple placer de ver los acontecimientos de la vida diaria de una familia.

Al final, esa dimensión es la que más me interesa. Se trata de acercarse a estos personajes que amo, para mostrar pequeñas cosas de su vida diaria. Por eso tuve que adoptar un ritmo narrativo singular. Generalmente, una acción continua no te permite fijarte en nada detenidamente, pero una comida de una familia de verdad o mostrar la emoción en el rostro de alguien, necesita tiempo en pantalla para hacerlo bien.

Esta unión entre la dimensión novelística y el retrato acertado de los personajes y su medio es crucial para mí, en parte porque yo pertenezco a ese mundo y me he implicado emocionalmente. Pero sobre todo, es una reacción a los retratos demasiado esquemáticos de la realidad, yo quería mostrar todas las complejidades de esta familia franco-árabe, todos ellos profundamente implicados en la apertura del restaurante, y con esperanza en un futuro que no necesariamente implica la negación de su identidad.

Me parecía importante hacer un alegato franco y enérgico a favor del derecho a ser diferente, sin caer en la trampa de la ligereza. Una fina línea por la que caminar, y de hecho una línea esencial por mi implicación emocional y mi predispuesto punto de vista.

Todo nació como una pequeña broma entre amigos. La idea era filmar una película sobre zombis con una cámara hogareña. Tras 18 meses de trabajo y una inversión de 74 dólares, Marc Price presentó "Colin" en un festival de cine de género en Gales. A partir de allí se produjo el efecto bola de nieve, y la pequeña broma llegó al mismísimo Festival de Cannes, donde se le abrió un abanico de posibilidades. Finalmente, tras ser la sensación del certamen más importante del mundo, "Colin" llegará a las salas británicas el próximo mes de octubre.

Con amigos y voluntarios convocados a través de Facebook, Price realizó "Colin", película de presupuesto irrisorio que aborda el subgénero de los zombis. La historia va de un hombre que es atacado por un zombi, y termina convirtiéndose en un muerto vivo en busca de carne humana. La particularidad de la historia está dada en su realización casera y una historia que se narra desde el punto de vista del zombi.

Sin formación específica en cine y sin trabajo dentro de esta industria -durante la edición de la película trabajaba para una compañía de taxis-, Price se valió de entrevistas y comentarios de directores en las ediciones de DVD para utilizar como guía para poder desarrollar su producción.

Con estreno programado en Gran Bretaña, Price explora ahora sus posibilidades internacionales, siguiendo el camino de festivales y estudiando la oferta de remake que llegó desde Japón, una de las industrias más abocadas al cine de terror. Paralelamente, el improvisado cineasta avanza con un nuevo proyecto, el cual permitirá conocer si lo suyo es verdadero talento.

David Yates, quien dirigió "Harry Potter y la orden del fénix", regresa para dirigir el séptimo capítulo de la saga del aprendiz de mago. En esta nueva película, Voldemort aprieta su empuñadura tanto en el mundo Muggle como en el mundo de la magia y Hogwarts ya no es el refugio seguro que algún día fue. Harry sospecha que el peligro puede incluso encontrarse dentro del castillo, pero Dumbledore tiene la intención de prepararse para la batalla final que pronto se aproxima. Él acude a la experiencia y el conocimiento de su viejo amigo y colega, el profesor Horace Slughorn un hombre centrado del que nadie sospecha y que, según él, posee información crucial para encontrar la llave que abrirá las defensas de Voldemort.

Mientras tanto, a través de las murallas, los estudiantes están bajo el ataque de un enemigo muy particular, la furia de las hormonas de la adolescencia. Harry se encuentra más y más atraído por Ginny, pero de igual forma lo está Dean Thomas. Lavender Brown ha decidido que Ron es el indicado para ella, sólo que no tiene en cuenta los chocolates de Romilda Vane. Por otro lado, está Hermione, ardiendo de celos, pero decidida a no mostrar sus sentimientos. Mientras el romance florece, un estudiante se mantiene distante, decidido a dejar su huella a pesar de ser oscura. El amor está en el aire pero la tragedia se extiende sobre Hogwarts que jamás volverá a ser el mismo.

Alvear Cinema (Río IV), Ambassador Multiplex (Mar del Plata), Atlas 1 y 2 (Tucumán), Atlas Alto Avellaneda, Atlas General Paz, Atlas Lavalle, Atlas Patio Bullrich, Atlas Rivera Indarte, Atlas San Isidro, Atlas Solar de la Abadía, Belgrano Multiplex, Cine Arrayanes (Bariloche), Cine Gran Rex (Córdoba), Cinema (Mar del Plata), Cinema City (La Plata), Cinema Devoto, Cinema Ocho (La Plata), Cinema Plaza Liniers Shopping Center, Cinema Rocha (La Plata), Cinema San Martín (La Plata), Cinemacenter Alta Gracia (Córdoba), Cinemacenter Av. Avalos (Chaco), Cinemacenter Bahía Blanca, Cinemacenter Catamarca, Cinemacenter Corrientes, Cinemacenter Florencio Varela, Cinemacenter Río IV (Córdoba), Cinemacenter Ruta Nac. 16 (Chaco), Cinemacenter San Luis, Cinemacenter Tandil, Cinemacenter Tucumán, Cinemark 10 Palermo, Cinemark 10 Palmares Mendoza, Cinemark 10 Shopping Adrogué, Cinemark 10 Soleil Factory, Cinemark 5 San Justo, Cinemark 6 Caballito, Cinemark 6 Santa Fe, Cinemark 8 Puerto Madero, Cinemark Malvinas Argentinas, Cines del Paseo (Mar del Plata), Cines Santiago, Complejo Canning Multiplex, Complejo Cine Plaza (Río IV), Complejo Cinerama, Complejo Dinosaurio Córdoba, Del Parque Shopping (Villa del Parque), Girona (Escobar), Holiday Cinemas Carlos Paz, Holiday Cinemas San Juan, Hoyts Abasto de Buenos Aires, Hoyts Dot, Hoyts Factory Quilmes, Hoyts Nine Factory Moreno, Hoyts Nuevocentro, Hoyts Patio Olmos, Hoyts Plaza Oeste Morón, Hoyts Salta, Hoyts Temperley, Hoyts Unicenter Shopping, Monumental, Monumental (Rosario), Showcase Cinemas Belgrano, Showcase Cinemas Córdoba, Showcase Cinemas Haedo, Showcase Cinemas Norte, Showcase Cinemas Quilmes, Showcase Cinemas Rosario, Sunstar Cinemas Córdoba, Sunstar Cinemas Rosario, Sunstar Cinemas Santiago, Sunstar Cinemas Tucumán, Sur Cine (Bariloche), Village Avellaneda, Village Caballito, Village Mendoza, Village Neuquén, Village Pilar, Village Recoleta, Village Rosario, Zonacines Coto Lanus, Zonacines Coto Olivos.

TRAILER
http://www.youtube.com/watch?v=nPUonuO4N5g

Elsa y Michele, una pareja de clase media culta y acomodada, se enfrenta con un brusco cambio de vida cuando Michele es despedido de la compañía que él mismo fundó años atrás. Como si esto fuera poco, también deberán vender su casa porque los ahorros no son suficientes y la situación económica es complicada.

La nueva realidad es un golpe terrible para Elsa, pero a pesar de estar en shock encuentra energía para encarar la situación. En cambio Michele, desalentado porque no encuentra trabajo, se entrega a la depresión y oscila entre alentar ilusiones descabelladas y una apática hostilidad. El abismo que se crea entre Elsa y Michele los coloca al borde de la ruptura, sólo en ese momento se dan cuenta de cuánto podrían perder para siempre: el amor que los une, que a la vez es su protección. ¿Les alcanzará para afrontar el futuro incierto que los espera?

FICHA TECNICA
Título original: Giorni e Nuvole.
Dirección: Silvio Soldini.
Producción: Leonello Cerri.
Guión: Silvio Soldini, Doriana Leondeff, Francesco Piccolo y Federica Pontremoli.
Elenco:Margherita Buy, Antonio Albanese, Alba Rohrwacher.
Dirección de fotografía: Ramiro Civita.
Música: Giovanni Venosta.
País: Italia, Suiza.
Año: 2007.
Duración: 118 minutos.
Premios: David Di Donatello 2008 a la mejor actriz protagónica (Margherita Buy) y a la mejor actriz de reparto (Alba Rohrwacher).
Calificación: ATP.
Distribuidora argentina: Impacto Cine.

SALAS
Village Recoleta, Atlas Santa Fe, Cinemark Palermo, Multiplex Belgrano, Showcase Belgrano, Showcase Norte, Cinema Paradiso (La Plata).

TRAILER
http://www.youtube.com/watch?v=hiyORFElMGg

PUNTAJE IMDB
7.2

Una familia juega frente a su casa, en medio de un paisaje bucólico y desértico. A pocos metros se extiende una autopista a medio construir, cuya apertura lleva ya diez años de demora; un ancho y ominoso cuerpo de concreto que se incorpora como un anexo del jardín. Hasta que un día de verano, finalmente, la ruta E57 es inaugurada, y con ella llega la invasión urbana, la irrupción violenta de los ruidos, la polución, la mugre. Sostenidos por la frágil figura materna, los integrantes de la familia buscarán primero salvar a ese hogar idílico y luego salvarse a sí mismos, proyectando en la carretera sus propias neurosis, negando al mundo que se les impone y desconectándose de la realidad. Atravesando la sátira con drama y hasta cierto suspenso, Meier construye una fábula contemporánea sobre la alienación que termina por ser, en sus propias palabras, una road movie a la inversa; una que descubre que no todo movimiento, por más vertiginoso que sea, implica necesariamente un viaje.

FICHA TECNICA
Título original: Home.
Dirección: Ursula Meier.
Producción: Thierry Spicher, Elena Tatti.
Guión: Ursula Meier, Antoine Jaccoud, Raphaëlle Valbrunne.
Elenco: Isabelle Huppert, Olivier Gourmet, Kacey Mottet Klein, Madeleine Budd, Adélaïde Leroux.
Dirección de fotografía: Agnès Godard.
País: Suiza, Francia, Bélgica.
Año: 2008.
Duración: 97 minutos.
Género: Drama.
Premios: Mejor actriz (Isabelle Huppert) del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata 2008, nominada a tres premios César (ópera prima, dirección de fotografía, diseño de producción).
Calificación: Apta para mayores de 16 años.
Distribuidora argentina: Primer Plano.

SALAS
Arteplex Belgrano, Arteplex Centro, Arteplex Caballito, América (Santa Fe).

TRAILER
http://www.youtube.com/watch?v=dRYzINrg6B4

COMENTARIOS DE LA DIRECTORA
"La idea surgió cuando estaba conduciendo. Había una casa, un trailer, y gente comiendo en una mesa blanca de plástico. Vi a esa gente y vi una imagen de felicidad. Me pregunté: '¿Cómo la gente puede vivir en un lugar así, o negar tanto la realidad?'. También vi casas completamente cerradas y pensé: 'Estas son dos familias, dos destinos, dos formas de lidiar con esto'. Esto dio la idea de una road-movie a la inversa. Inmediatamente pensé en una familia que vive en silencio, y luego vendría un auto, y luego una docena, y luego cien, y luego miles, como en 'Los pájaros', de Alfred Hitchcock. Rápidamente pensé y escribí sobre todas las cosas que podrían suceder en un caso así, escribí un montón de escenas que no necesariamente me interesarían. Pensé que la película tenía que ser más poderosa que eso, que tenía que alcanzar otra dimensión, que todo lo que esperáramos no sucediera, que el peligro no viniera de la autopista sino de la propia familia. La locura es quedarse, aguantar, eso es lo que me interesaba".

PUNTAJE IMDB
7.1

El director Uli Edel comenzó el rodaje de la película sobre la vida de Bushido, estrella del hip hop local, que en pantalla es interpretado por el mismo rapero, quien además es responsable de la banda sonora. El elenco cuenta con uno de los rostros más famosos del cine alemán, Moritz Bleibtreu, actor de "Corre Lola corre" y "El experimento", entre otras.

"Zeiten ändern sich" es el título de la cinta, que presenta esas historias "cenicientescas" en la que un joven sin futuro y con muchos problemas consigue sobreponerse a la adversidad y a un ámbito hostil por medio de la música, con la cual logra no solo salir adelante, sino convertirse en estrella.

Bushido es un rapero que se ha hecho conocido por sus letras que glorifican la violencia y discriminan a mujeres, homosexuales y extranjeros. Alguna vez se ha definido a sí mismo como "una víctima superinteligente de las drogas" que con sus canciones muestra lo que hace la juventud.

Lo más reciente de Edel ha sido "Der Baader Meinhof Komplex" (El complejo Baader Meinhof), una cinta sobre la RAF (Facción del Ejercito Rojo), que dividió aguas en Alemania por su tema -los integrantes de esta agrupación para muchos fueron un puñado de terroristas y para otros unos revolucionarios-, ya que en lo que respecta a su calidad no hubo discusión, siendo elegida como candidata alemana al premio Oscar, al que finalmente fue nominada.

En "Pieds nus sur les limaces", la alemana Kruger interpreta a una mujer felizmente casada que lleva una vida ordenada e idílica en París, hasta que la muerte de su madre le hará acercarse a su hermana menor (Sagnier), quien vive en el campo de la familia en un mundo propio que la aleja de ese exterior que puede herir su extrema sensibilidad.

Escrita por la propia directora, la película es una producción de Bertrand Faivre para Le Bureau. El rodaje se extenderá hasta fines de septiembre en Marsella y la Región de Vexin. Su estreno se planea para 2010.

El británico Stephen Frears prepara la versión cinematográfica de "Tamara Drewe", cómic de la reputada Posy Simmonds, que retrata los días de retiro en la campiña inglesa de una aspirante a escritora. De acuerdo a los medios ingleses, el director de "La Reina" ya fichó a Gemma Arterton, chica Bond de la última película del agente con licencia para matar, cuyo ascenso le ha hecho ganarse el calificativo de "la nueva Keira Knightley".

"Tamara Drewe" es la tragicómica historia de la columnista de un diario, cuyo viaje a la campiña inglesa sirve para presentar una serie de personajes que pintan la Inglaterra de hoy. Simmonds publicó la historieta en The Guardian entre 2005 y 2007, para luego compilarla en una novela gráfica en la que se basará la película. La historia del cómic toma como inspiración la novela de Thomas Hardy, "Lejos del mundanal ruido"; lo cual es un recurso habitual de la autora, quien previamente publicó "Gemma Bovery" tomando como fuente el clásico de Flaubert, "Madame Bovary".

Para Frears esta será una nueva oportunidad de adaptar al cine una pieza literaria, luego de llevar a la pantalla grande "Relaciones peligrosas" o "Alta fidelidad", por nombrar algunas. El trabajo más reciente de este estilo es "Chérie", drama de época protagonizado por Michelle Pfeiffer y Rupert Friend, que se basa en un texto de Colette centrado en la relación de una cortesana y un joven.

Por su parte, Arterton con este nuevo proyecto sigue hilvanando películas a un ritmo envidiable. Después de trabajar en la taquillera -en Gran Bretaña- "St. Trinian", intervino en "Quantum of Solance" y desde allí no paró de sumar trabajos, formando parte de las superproducciones "Prince of Persia: Sands of Time" y "Clash of the Titans". Recién salida del set de esta última, ya se encuentra rodando la secuela "St Trinian's: The Legend of Fritton's Gold", a la que seguirá una nueva versión de "Cumbres borrascosas".

El director Fernando León de Aranoa ("Los lunes al sol") comenzará en los próximos días el rodaje de su nueva película “Amador”, una producción de Reposado y Mediapro, con lo que vuelve a ponerse detrás de cámara tras “Princesas”.

- Da igual que procedan de las palabras, del cine o de la pintura, pinté mucho en una época de mi vida, las imágenes siempre me han interesado. Me gusta profundizar en la visión del mundo mediante imágenes; me permiten iluminarlo, hacerle preguntas, incluso reflejarlo. Siempre he sido un loco del cine. Estudié Literatura e Historia en la Universidad de Nancy a principios de los años ochenta y realicé varios cortos con mis compañeros. Siempre estábamos delante o detrás de la cámara, todos éramos guionistas, operadores, actores y montadores. Ya escribía mucho en aquella época, pero sentía un gran deseo de crear y mostrar imágenes. El cine regresó a mi vida con Yves Angelo, al que conocí en 1999, cuando publiqué mi primera novela, Meuse l’oubli. Me pidió que trabajara con él. Nuestra primera colaboración fue el guión de Sur le bout des doigts, que dirigió en 2002. Luego, diversos productores me pidieron guiones, pero nunca se produjeron. Más tardes llegó la gran aventura de Almas grises, que Yves se empeñó en rodar. Me involucró en la búsqueda de decorados, en las pruebas de actores, lo que me despertó el deseo de controlar mi creación hasta el final. Pero hacer cine es muy complicado, hace falta mucha energía, tiempo y dinero. Es mucho más agotador que escribir. Puedo escribir una novela cuando quiero, dejarla un tiempo y seguir en otro momento. Pero cuando empieza la maquinaria del cine, no se puede parar. Por eso es necesario, al menos en mi caso, tener un tema en el que creer realmente para poder seguir hasta el final, para que el deseo siga intacto. Por suerte, así fue con esta historia.

- ¿Supo desde un principio que no sería una novela?
- Desde luego, lo tenía muy claro. Cuando empiezo a tener ideas para una historia, enseguida sé si será para una película o una novela. No sabría decirle por qué, pero nunca tuve la menor duda. A veces me han pedido convertir en novela un guión mío que no se haya producido, pero siempre me he negado, no sería capaz. Al igual que cuando escribo una novela, he intentado que esta película conmueva a personas muy diferentes.
Siempre me han gustado las novelas y las películas que no se limitan a un solo tipo de lectores o de público. No quería encerrarme en un género. Prefiero estar más cerca de la diversidad de la vida. Quiero rodar a las personas viviendo esas naderías de la existencia que acaban siendo grandes alegrías, o cuando se callan y se hacen daño, o cuando son capaces de superar lo que podría destruirlas.

- ¿Cuál fue el punto de partida de esta película?
- La historia me permitió cristalizar elementos dispersos, como la reclusión y los secretos, que ya había intentado explorar en algunas novelas. Quelques-uns des cent regrets, publicada en 2000, tocaba el tema de los secretos entre madre e hijo. Me fascinan las vidas secretas que convierten a los conocidos en desconocidos. La reclusión es un tema familiar para mí; di clases en una cárcel durante once años. También quería que los personajes centrales fueran mujeres, algo que no he hecho en ninguna novela. Me encantan las mujeres, me fascina su fuerza, su capacidad de recuperación, de renacer, de apoyarnos y aguantar la vida miserable de los hombres. Tengo la impresión de que los hombres se rinden muy deprisa, pero no las mujeres. Imaginé la historia de Juliette y Léa, dos hermanas que no han hablado en 15 años. Lo apunté en una libreta y me fui a Laponia. Allí, en invierno, las noches son larguísimas, solo hay dos horas de luz. Fue un momento mágico para escribir. De hecho, la primera versión es casi idéntica al guión de rodaje. Nunca me había pasado. Todo estaba en su sitio. No podía dejar que otra persona rodara ese guión, estaba hecho para mí. Visualicé todas las escenas. Tenía ideas precisas acerca de los encuadres, la iluminación, el sonido, las interpretaciones.

- ¿Pensó siempre en la actriz Kristin Scott Thomas?
- No, no inmediatamente. Al menos no mientras escribía el guión. Es verdad que tenía a Elsa en mente para encarnar a Léa. La conocía y me apetecía trabajar con ella. Siempre me ha gustado esa mezcla de alegría y de fragilidad. Me conmueve. En cuanto a Kristin, es una actriz formidable. Creo que el cine francés no le ha dado bastantes oportunidades, por eso le mandé el guión.
Le gustó mucho y tuvo el valor y la inteligencia de meterse de lleno en el papel de Juliette. Cuando hablamos por primera vez, le dije que no debía estar guapísima al principio. Sé lo fácil que es desmoronarse en la cárcel. Los presos acaban con el mismo color que las paredes. Las paredes se convierten en ropa, piel, alma. Es muy difícil conservar la fuerza y la luz interior. Me pareció vital dejarlo patente en Juliette. Tuve mucho cuidado con el resto del reparto. Quería actores que no estuvieran gastados por el cine o por la fama, pero que fueran grandes talentos capaces de transmitir realismo a sus personajes. Esta etapa del trabajo me fascina, es pura magia.

- Tres de los actores con papeles importantes, Laurent Grévill, Serge Hazanavicius y Frédéric Pierrot, no son grandes estrellas.
- Laurent Grévill es Michel. Quería a un actor con un encanto secreto, no era necesario que fuera “guapo”, alguien que hubiera sido un marginado, como Juliette. Los dos, poco a poco, empiezan a reconstruir algo. El único gesto de ternura entre ambos es cuando Juliette le pone la mano en el hombro al salir del museo. Es el primer guiño cómplice. El rostro de Laurent está marcado por las heridas y las promesas de la vida.

- De todos los amigos de Léa, es el primero en adivinar el secreto de Juliette.
- Porque conoció a una mujer como ella cuando enseñaba en la cárcel. Las almas perdidas se reconocen. Por ejemplo, el personaje del capitán Fauré, interpretado por Frédéric Pierrot, es el doble de Juliette. Por cierto, todas las mujeres del equipo de posproducción se enamoraron de él, es una persona maravillosa. Es uno de los personajes que más me conmueve. Todos los personajes de la película ayudan a Juliette a regresar a este lado de la vida, a la luz, a recuperar la confianza.

- ¿Y Luc, el marido de Léa, interpretado por Serge Hazanavicius?
- Reacciona ante Juliette como lo haría mucha gente. Incluso puede parecer desagradable al principio, pero hay que ponerse en su lugar. De pronto, su mujer le pide que acepte en su hogar a una cuñada a la que no ha visto nunca y que ha estado 15 años en la cárcel.

- Al principio es difícil saber si es desagradable por naturaleza o si es la actitud que adopta con Juliette.
- Quería transmitir la idea de “familia feliz” con Luc, Léa y sus dos hijas. En principio, todo va bien entre la pareja. Tienen dos niñas adorables, una bonita y cómoda casa. El padre de Luc también vive con ellos, un hombre mayor que no habla y con una permanente sonrisa en los labios. Son la familia ideal, pero poco a poco nos damos cuenta de que no todo va tan bien, y con la llegada de Juliette se forma otra pareja, la de las dos hermanas, en detrimento de la pareja real. Léa solo se preocupa por la hermana que le arrebataron de pequeña. El encarcelamiento de Juliette y los tabúes familiares destruyeron la adolescencia de Léa, marcándola para siempre. Pero la presencia de Juliette hace que las cosas cambien. Juliette evoluciona, y hace que todos a su alrededor evolucionen.

- La película está construida mediante ligeros toques...
- Es una historia impresionista, tal como está escrito el guión. El montaje fue bastante simple. Solo fue necesario reajustar y reducir un poco, cortar aquí y allá, suprimir algunas escenas que habrían sido redundantes.

- El rostro de Kristin Scott Thomas es impresionante. Es capaz de expresar mucho sin pronunciar una palabra y sin perder ese aire misterioso, secreto.
- Kristin tiene mucho talento. En algunas ocasiones probamos con diferentes maneras de abordar la escena, lo que me permitió disponer de matices muy variados en la sala de montaje. Elsa también está maravillosa. Su torpeza, su falsa alegría, la sonrisa que siempre está a punto de ahogarse bajo un torrente de lágrimas. Jugué con los encuadres. Por ejemplo, al principio uso muchos primeros planos de la cara de Juliette, encerrándola, encarcelándola. Los planos son cada vez más abiertos a medida que se reintegra en el mundo. Del mismo modo, la cámara que rodó a Juliette apenas tiene movilidad, mientras que filmé a los otros personajes con mucho más movimiento.

- Transformó a los actores físicamente.
- Me parece importante que Juliette lleve los años de cárcel tatuados en la cara, y que Léa tenga el rostro y la silueta de una adolescente que rehusó crecer. Las dos actrices aceptaron esta transformación, lo que les obligó a rodar gran parte de la película sin maquillaje, desnudas.

- ¿Cómo explica el acento inglés de Kristin Scott Thomas? Su hermana no tiene acento.
- Kristin me preguntó si su acento no me molestaba. Le contesté que cuando Romy Schneider trabajaba en las películas de Sautet, a nadie le preocupaba su acento, y que no solía haber una explicación en el guión. Creo que el acento de Kristin me ayudó a reescribir una escena, el encuentro con su madre, interpretada por la actriz irlandesa Claire Johnston, que tiene lugar en una residencia de ancianos. Su madre tiene Alzheimer, y cuando recuerda cosas, pasa de un idioma a otro.

- Explora los lazos familiares, la complicidad entre hermanas.
- Intento contestar a una pregunta: ¿Puede recrearse una unión después de una separación tan prolongada? Sobre todo porque estaban muy unidas entonces y ahora no queda nada. ¿Podrán volver a comunicarse? Y aunque una de las dos lo desee, ¿comparte la otra este deseo? No hay nada tan fuerte como la unión entre dos hermanas, a pesar de que la vida y las circunstancias lo hayan hecho todo para romperla.
El público descubre al mismo tiempo que las dos hermanas la profundidad de su relación, y la tristeza que les produjo esta larga separación. Más aún, las dos protagonistas apenas llevan ventaja al espectador, que debe colocarse al lado de ellas y no delante de la pantalla, como observador.

- También toca el tema de la adopción, ya que las dos niñas nacieron en Vietnam y son adoptadas.
- Sí, el tema del secreto está muy presente en toda la película. En este caso, se trata del enigma del origen de las niñas. También quería preguntar qué es una familia, cómo se construye. Escogí a dos niñas con una marcada diferencia de edad para reflejar los años que separan a Juliette de Léa. Rodar con Lise Segur, la mayor, fue muy fácil. Se sentía cómoda delante de la cámara. Pero Lily-Rose, la más pequeña, fue un auténtico quebradero de cabeza. Es una preciosidad, pero un auténtico diablo que solía hacer exactamente lo contrario de lo que le pedía. Hicieron falta toneladas de paciencia... y de caramelos.

- La madre de las dos hermanas tiene Alzheimer; el padre de Luc no puede hablar porque ha tenido una hemorragia cerebral. ¿Quería volver a tocar el tema del aislamiento?
- No quise hacer un inventario exhaustivo del aislamiento, pero es un tema que me preocupa mucho. La película toca diferentes modalidades del tema: la cárcel y sus consecuencias; la vejez y la enfermedad de Alzheimer; la soledad del divorciado, con el capitán Fauré; el encierro del duelo, ilustrado por el personaje de Michel; los secretos que no se cuentan y que acaban por apresar a la persona. E incluso la adolescencia, ya que Léa no creció y se quedó, en cierto modo, atrapada en su adolescencia.

- Su obsesión por el aislamiento surgió cuando empezó a conocer las cárceles.
- No tengo la pretensión de afirmar que conozco las cárceles. Pero durante diez años fui varias veces a la semana a una cárcel para dar clases, lo que cambió profundamente mi modo de ser y de ver la vida. Era profesor en un buen instituto y me gustaba lo que hacía, no tenía problemas. Pero pensé que debía ir a sitios donde no va mucha gente, donde pudiera ser más útil. También di clases a niños enfermos hospitalizados. Más tardé enseñé en un instituto especial para niños discapacitados físicos. De hecho, algunos de mis antiguos alumnos salen en la película. Me parece que tenemos el deber de entrar en los guetos para agrietarlos un poco e intentar incluirlos en nuestro mundo.

- Queda patente a lo largo de la película que está pendiente de los detalles más pequeños, de los toques realistas, de las anécdotas llenas de humor.
- No solo fui muy riguroso con la ubicación de la historia y de los personajes, sino también de los decorados, el vestuario, el maquillaje, la peluquería. Le pedí a Kristin que se sometiera a una transformación física. Al principio no lleva maquillaje. Jugamos con su corte de pelo, sus accesorios, los ínfimos detalles que pudieran hacerla más creíble. Cuando sale de la cárcel, lleva un abrigo que corresponde a su vida anterior. Le va grande porque ha adelgazado mucho, es muy pesado, está pasado de moda. Tiene la piel grisácea, sus cabellos no brillan, se come las uñas y no deja de fumar, pero Kristin no fuma en la vida real. Insistí mucho para que fumara de verdad, no bastaba con fingirlo. Escogí unos cigarrillos muy fuertes, nada actuales, como el abrigo. Quería que tanto el asco como la adicción fueran perceptibles. Hice lo mismo con Elsa, que siempre viste muy bien, con elegancia, a la moda. Pero escogí ropa que nunca se pondría en la vida real. Recorté fotos en los catálogos de La Redoute, H&M, Monoprix para que la diseñadora de vestuario entendiera la ropa de los personajes. He visto demasiadas películas en las que los decorados de diseño de casas modestas no coincidían con el nivel de vida de sus habitantes, o donde la gente normal se viste de Prada. Siempre le decía a Elsa: “No olvides que Léa no lleva tacones”. Puede parecer un detalle, pero ayuda a meterse en el personaje. Le dije cuánto gana una profesora como Léa y un investigador como Luc, su marido. No se compran ropa cara. Lo mismo pasó con los demás personajes. Por ejemplo, Fauré vive solo, lleva camisas de hace años que lava en agua demasiado caliente y que no plancha nunca. Michel intenta ser elegante, pero se viste de acuerdo con sus posibilidades.

- La casa es un auténtico hogar, está llena de libros.
- La historia debía transcurrir en una ciudad de provincias, no podía imaginarla en otro lugar. Me parecía indispensable que la mayoría del rodaje transcurriera en Nancy. Gran parte de la credibilidad del guión dependía de eso. Al igual que para el vestuario, no se dejó ningún detalle de la casa al azar. Coloqué los libros que me gustan en las estanterías y en las mesillas de noche. El padre de Luc y Juliette tienen un punto en común, Sylvie, de Nerval, que Juliette leyó una y otra vez en la cárcel. También di mucha importancia a los colores, pasando del gris oscuro a un gris mucho más suave, de la oscuridad a la luz. Hablé mucho con Jérôme Alméras, el director de fotografía. Había que volver poco a poco hacia la vida. También trabajamos el sonido en esta misma dirección. Todos los elementos debían acompañar el renacimiento del personaje. También puse mucha atención en los cuerpos, en la forma en que se mueven, en cómo Juliette recupera el suyo nadando en la piscina con su hermana. Reencontrar su cuerpo, mostrarlo de nuevo, sentir el agua en la piel, era una forma de resurrección, de reconquistar la libertad.

- ¿Se concentró mucho en el rodaje para que no se le escapara nada?
- Sí. Sabía exactamente lo que quería, y debía conseguirlo sin ser demasiado rígido. Gran parte de la belleza del cine nace del trabajo en equipo. Todo fue muy bien a pesar de la dificultad de interpretación de los personajes, que requería mucha concentración, entrega y tensión. Además, fui bastante exigente. En dos meses de convivencia, hubo algunos momentos más difíciles que otros, aunque muy pocos. A pesar de que no soy una persona difícil, sé que habría podido convertirme en alguien terrible si hubiera notado reticencias. Sabía que nunca podría hacer otra película igual, y cada noche, al cortar, quería haber conseguido las imágenes que tenía en la cabeza. Y así fue. No hubo un solo día que pensara: “Vaya, hoy no ha salido bien”. Fue una enorme satisfacción, y me permitió superar el cansancio, la tensión, el estrés, la soledad del realizador.

- ¿Cómo dirigió a las actrices?
- Hicimos dos lecturas conjuntas. Luego, con Elsa todo fue muy fácil. Bastaba con tranquilizarla, abrazarla como lo haría un hermano mayor. Creo que el contacto físico nos daba fuerzas a los dos, intercambiábamos energías. Con Kristin, la relación fue más intelectual, más cerebral, pero no menos intensa. Antes de rodar una escena, pensábamos en voz alta acerca de cómo iba a reaccionar esa mujer, en lo que pensaba. Kristin y Elsa hicieron muchas sugerencias que a menudo me parecían útiles, y que en otros casos descarté.

- ¿Rodaron en orden cronológico?
- Fue totalmente imposible por imposiciones presupuestarias. Únicamente la escena final, que se rodó en último lugar porque quería la violencia, la rotura, la emoción de Kristin producidas por los sentimientos que por fin consigue expulsar. Quería captar la belleza destrozada y a la vez apaciguada de esas dos mujeres.

- Lloran por primera vez...
- En varias ocasiones durante el rodaje tuve que contener las lágrimas de Elsa. Su personaje podría llorar fácilmente; las lágrimas siempre están a punto de brotar. Con Kristin era todo lo contrario. Su personaje no debe llorar hasta el final. Durante su vida, Juliette ha demostrado una fuerza tremenda, pero sus lágrimas se han fosilizado durante los 15 años de cárcel. Solo muestra su dolor al final, después de recuperar la confianza, la vida y la esperanza, cuando su corazón vuelve a latir.

- ¿Que haya un buen ambiente de rodaje depende en gran parte del equipo técnico?
- Desde luego. Por suerte, he trabajado con personas a las que quería o que aprendí a querer. Los productores Yves Marmion y Brigitte Maccioni confiaron en mí desde el principio y siempre me apoyaron. En cuanto al equipo técnico, ya conocía a varios personalmente y estaba al corriente del talento de los otros. Luego pude descubrir sus cualidades humanas. La maquilladora Gill Robillant, el estilista Patrick Renault y la diseñadora de vestuario Jacqueline Bouchant se adaptaron a mi obsesión por los detalles; el director de fotografía Jérôme Alméras es un buen amigo y un cómplice sin par; el ingeniero de sonido Pierre Lenoir es un gran profesional. El director artístico Samuel Deshors me comprendió inmediatamente y supo aportar el toque de comodidad y calor a la casa familiar. Julien Zidi, en el siempre delicado puesto de primer ayudante de dirección, estuvo maravilloso, al igual que los demás. El equipo de posproducción no se quedó atrás. La montadora Virginie Bruant conoce mi universo y supo aceptar mis manías, mi presencia y mi perfeccionismo. No quería dejarme llevar por las costumbres, las normas o la moda. Me gustó en especial la mezcla de generaciones en un equipo formado por técnicos con mucha experiencia y otros que empiezan a trabajar. Además contraté a diez becarios, estudiantes de la Escuela de Cine de la Universidad de Nancy. Fue un rodaje lleno de complicidad durante el que nos reímos a menudo. Quería que fuera tranquilo y sereno, y así fue.

- ¿Qué puede decirnos de la música? Es muy importante, impone su ritmo a la película. Incluso el título es musical, ya que es una estrofa de una vieja canción francesa.
- Quería una música original, sin piano, con guitarra acústica y guitarra eléctrica. Jean-Louis Aubert, un artista al que admiro desde hace tiempo y gran amigo mío, ha compuesto una partitura de tono poético, una especie de música mental que acompaña la evolución del personaje de Juliette. Le invité a venir al rodaje y allí mismo, entre dos tomas, cantó la canción de Barbara “Quand reviendras-tu?”. Fue mágico, conmovedor y supe que sería la canción que acompañaría a los créditos de salida. Luego, Jean-Louis compuso una hora de música en la que mezcla variaciones del tema “Alter Ego”, una canción suya que me gusta mucho, con composiciones originales y “Je t’attends”, una canción inédita que yo conocía. Además, jugó con la canción “A la claire fontaine”, que forma parte del patrimonio cultural francés. A cualquier francés la frase “Hace mucho que te quiero” le trae inmediatamente a la mente la siguiente estrofa: “Y nunca te olvidaré”. Jean-Louis me entregó la música justo antes de acabar el rodaje.

- ¿Está satisfecho con el resultado, con la película?
- Gracias a todas las mujeres y hombres que han trabajado conmigo, he conseguido lo que tenía en mente: contar una historia fuerte y sensible, basada en una puesta en escena muy controlada, rigurosa y sobria, que no aburra al espectador y le haga reflexionar. Una historia seria de la vida cotidiana, optimista a pesar de un punto de partida trágico; una historia sincera, de la vida, que guía a los personajes principales hacia la luz, el renacimiento, el amor y la comprensión. Espero que esta película ayude a los que la vean a acercarse a los demás, a aceptarlos tal como son, sin juzgarlos, y a ayudarlos cuando lo necesiten. Espero haber hecho una película de amor, llena de humanidad y cuya emoción perviva tiempo en el corazón del espectador cuando deje atrás la vida de mis personajes y regrese a la suya.


BIOGRAFÍA DE PHILIPPE CLAUDEL

Nació en 1962 en Dombasle-sur-Meurthe, Lorena. Durante su época de profesor, impartió clases en institutos y en la Universidad de Nancy II, donde enseñó Antropología Cultural y Literatura. Además, trabajó con niños discapacitados y, durante once años, dio clases en una cárcel de Nancy, experiencia que plasmó en el libro Le bruit des trousseaux (El ruido de las llaves).

Gran admirador de Simenon y del Jean Giono de la posguerra, publicó su primer libro, Meuse l’oubli, a los 37 años. Sus novelas y relatos han sido galardonados en varias ocasiones: la novela J’abandonne recibió el Premio France Television 2000; la colección de relatos Petites mécaniques, el premio Bourse Goncourt de la Nouvelle 2003, y Almas grises, su quinta novela, el prestigioso Premio Renaudot.

Desde 2004 trabaja para la editorial Stock, donde publica una serie dedicada al vino titulada Ecrivins. "Hace mucho que te quiero" es su primera película como realizador, aunque ha escrito varios guiones.

Tiene dos novelas traducidas al castellano, Almas grises (2005), Publicaciones y Ediciones Salamandra, y La nieta del señor Linh (2006), Publicaciones y Ediciones Salamandra.

© Golem.

Una historia de oficiales polacos asesinados por la NKVD (la policía secreta rusa) en Katyn en 1940, durante la Segunda Guerra Mundial. Un retrato de las mujeres que ignoraban el crimen, que estaban a la espera de sus maridos, padres, hijos y hermanos. Un acuerdo inflexible con la mentira, que obligó a Polonia a olvidar a sus héroes. Una película sobre una lucha invencible por la verdad y la memoria, gracias a la cual existe una Polonia libre actualmente.

Comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Después de la invasión de la Alemania nazi en Polonia, siguiendo la orden de Joseph Stalin el 17 de septiembre de 1939, también las unidades del Ejército Rojo entraron ilícitamente sobre suelo polaco. En consecuencia, todos los oficiales polacos se encontraron bajo la esclavitud soviética. Anna, la esposa de un capitán del Regimiento de Uhlan está a la espera de su marido, y recibe con incredulidad todas las pruebas que evidencian que ha sido asesinado por los rusos. La esposa de un general, en abril de 1943, se entera de la muerte de su marido después de que los alemanes descubren fosas masivas de oficiales polacos en el bosque de Katyn. El silencio y la mentira acerca del crimen rompen el corazón de Agnieszka (M. Cielecka), hermana de un piloto que tuvo la misma suerte que los otros soldados polacos. El único sobreviviente es Jerzy, amigo del capitán, que entra en las filas del Ejército del Pueblo Polaco.

¿Cómo será la vida de las mujeres que siguen esperando a sus amados, después de la guerra, en un Estado Polaco dependiente de la Rusia Soviética? ¿Patria y Libertad seguirán significando lo mismo para aquellos que han aceptado el nuevo sistema?

FICHA TECNICA
Título original: Katyn.
Dirección: Andrzej Wajda

La creación del guión sobre Katyn llevó varios años. El largo y arduo proceso de búsqueda a través de enormes cantidades de recuerdos, diarios, y otras reminiscencias confirmaron mi determinación de basarme, para esta primera película sobre Katyn, en los hechos referidos en estos materiales. Y así es como llegamos a la escena en el puente, al comienzo de la película, como también la escena en que los soldados soviéticos rasgan la bandera polaca. La mayoría de los incidentes descritos en la pantalla realmente ocurrieron y fueron denunciados por testigos presenciales. Si bien es cierto que los detalles del crimen de Katyn se saben ahora, no podía omitir, en esta primera película sobre el evento, la imagen de la muerte; la muerte que terminó con veinte mil oficiales polacos. Ellos fueron asesinados, uno a la vez, hecho que fue registrado en sus archivos personales. Esto es prueba de que la Unión Soviética no reconoció ni respetó ninguna norma internacional, ni siquiera con respecto a los prisioneros de guerra.

Todos los hombres que murieron lo hicieron como miembros de la intelligentsia polaca, lo que allanó el camino para el sometimiento de Polonia ante Stalin.

Un tema paralelo al crimen de Katyn es la mentira sobre Katyn y la postura oficial soviética de que los alemanes habían cometido el hecho en 1941, después de que invadieran territorio soviético durante la guerra.

Esta mentira tuvo su mayor impacto en las esposas, madres e hijas de los oficiales asesinados. Pues estas mujeres fueron quienes, en su lucha por descubrir la verdad, experimentaron la mayor represión del nuevo gobierno después de 1945.

Es por ello que, durante años, Katyn ha sido un proceso abierto, herida enconada en la historia de Polonia que rogaba por una película polaca para abordar este tema. La primera película".

TRAILER
http://www.youtube.com/watch?v=MWPIleYTjB4

PUNTAJE IMDB
7.1

“Los secretos” cuenta la historia de una compleja e intensa amistad entre dos mujeres estudiantes de estudios religiosos en Safed, lugar de nacimiento de la Kabbalah.




Título original: Ha-Sodot.

Dirección: Avi Nesher.

Producción: Avi Nesher, David Silber.

Guión: Avi Nesher, Hadar Galron.

Elenco: Fanny Ardant, Ania Bukstein, Michal Shtamler, Adir Miller, Guri Alfi, Alma Zak, Tiki Dayan.

Música: Daniel Salomon.

Dirección de fotografía: Michael Abramowicz.

País: Israel - Francia.

Año: 2008.

Duración: 120 minutos.

Género: Drama.

Calificación: Apta para mayores de 16 años.

Premios: Nominada a siete premios de la Academia de Cine Israelí.

Distribución argentina: Distribution Company.

Salas: ArteCinema, Arteplex Belgrano, Arteplex Centro, Arteplex Duplex Caballito, Monumental, Village Avellaneda, Cines del Siglo (Rosario).

El próximo 3 de julio comenzará el 44° Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary con la exhibición de "The Greatest", de Shana Feste, película protagonizada por Susan Sarandon y Pierce Brosnan basada en "Gente como uno", de Robert Redford. Así, iniciará una edición que tendrá como figuras invitadas a la francesa Isabelle Huppert y el español Antonio Banderas, y que finalizará con la proyección de "The Boat That Rocked", de Richard Curtis, una comedia dramática del mismo director de "Realmente amor", que es un viaje nostálgico a los años 60 con tripulantes tan reconocidos como Philip Seymour Hoffman, Kenneth Branagh y Bill Nighy.

El director Alex de la Iglesia acaba de ser elegido presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, la institución responsable de fomentar el cine español, que incluye entre sus actividades la entrega anual del premio Goya.

De la Iglesia quedó al frente de la Academia por encabezar la única lista que se presentó a las elecciones, que fueron realizadas luego de que en abril pasado la por entonces presidenta Angeles González-Sinde renunciara a su cargo para sumarse al Ministerio de Cultura del gobierno de José Luis Rodríguez Zapatero.

A pesar de ser la única lista, se realizó la votación entre los 1.100 académicos, dando como resultado 204 votos a favor y 43 abstenciones. La carencia de candidatos para asumir el mando de la Academia como los pocos votantes dan cuenta del escaso interés por participar de las actividades de la Academia, y apenas Carmen Maura y Marisa Paredes fueron los rostros famosos que se dejaron ver en la asamblea general en la que se decidía el nuevo accionar de la institución.

El irreverente realizador de "El día de la bestia", "La comunidad" y "Los crímenes de Oxford" será entonces el presidente de la Academia por los próximos tres años, teniendo como colaboradores más cercanos para desempeñar su función a la directora y actriz Icíar Bollaín ("Te doy mis ojos") y el director de producción Emilio Pina, quienes fungirán como vicepresidentes primero y segundo, respectivamente.

La nueva cúpula de la Academia enfatizó su interés por recuperar al público español, apuntando especialmente al espectador del futuro. También se ha indicado que se buscará una mayor participación de los integrantes de la Academia y la conciliación, intentando recuperar a algunos académicos que abandonaron la institución por desavenencias con la misma, como Pedro Almodóvar o José Luis Garci.

"Tenemos que representar a todos los sectores sociales y a todas las maneras de ver cine. Hay que ganarse otra vez a los que de alguna manera se han sentido rechazados u olvidados. Debemos acercar la Academia al público, a la sociedad. Nuestro oficio es, sin duda alguna, el mejor que se puede ejercer, la vida no tiene sentido sin el cine", dijo De la Iglesia en nombre de la nueva directiva, apuntando que se persigue el objetivo de "fomentar el cine español de manera real, efectiva, y hacerlo crecer, y que ocupe el lugar que le corresponde frente a otras cinematografías".

Para tranquilizar a sus fans, De la Iglesia anunció que no abandonará la realización y que sigue avanzando con "La marca amarilla", adaptación del cómic de Edgar Pierre Jacobs, que tendrá como protagonistas a Hugh Laurie y Kiefer Sutherland en los roles de Blake y Mortimer.